如何评价广州大剧院的年度歌剧《魔笛》的演出形式?

该剧由柏林喜歌剧院演出,大量应用多媒体技术,就像一部大型的真人卡通片。这是目前歌剧演出的一种主要的形式吗?是未来高科技手段运用到戏剧中的一个趋势吗?观看过的人有怎样的体验?
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不请自来。
柏林喜剧院这次在中国区的巡演包括上海,厦门和广州三场,这次有幸在厦门场作为全程中德翻译,从彩排到正式开演看了个爽。
这次的投影技术虽然说是重头戏,但是这并不意味着歌唱者演员本身的功力就可以弱化掉。即使是打了投影光,演员本身表情已经不会被看的很真切的情况下,他们的神态表情动作却没有打任何折扣(彩排时在前排可以看的很清楚),可以说技术层面不仅没有削弱古典化,反而是一个很强大的助力。个人观感是,视觉上会被惊艳到,但丝毫没有变了味道的违和感。
再说音乐方面,莫扎特写这部剧的时候用的还是古钢琴,为了还原音色效果,这次还特意从日本运来一架可以弹奏的古钢琴(中国的博物馆里也有但是一般都早已经不能弹奏了,似乎唯一一架还可以弹奏的在北京,租借上有些困难),一起跟来的主人Hikino桑每天都要重新准音,在旁观的时候被热情的主人邀请近距离观看,亲自展示了整个钢琴的内部构造。值得一提的是,这架钢琴从1983年起被Hikino桑收藏,全木质的结构在三十多年后还能够拿出来演奏,主人的用心程度由此可见。
古钢琴的音色与现代钢琴有微妙的不同,个人觉得有奇妙的金属色音,但其实就算是用现代钢琴大部分观众也不会有所异议,而且表演时整个乐队都在下方的乐池,所以也不存在“一定要让观众看到”的理由。但剧组仍然费心去做了。
作为还在上学的大学狗,也许是眼界所限,但是作为从搭建舞台直到演出结束东西装车全程都在看的人,真的觉得这个版本的魔笛非常用心且惊艳,也感受到了德国人的工作态度。由于我负责的是技术那块的翻译,所几乎每天都在控制室呆着,也和中方的工作人员一起接受“我一定要这样的”近乎苛刻的要求。德国的技术师要求的planA是可以保证无论出现任何意外都可以“hold住”全场,绝对可以保证演出顺利进行的,但因为条件限制和中德剧院内部实际构造存在差异,有些要求实施起来难度很大,加上时间又很短,中方就会提出一些planB,可能没有那么完美但也可以顺利完成,然后在休息时还会一起嘻嘻哈哈的技术小哥一秒严肃脸,跟我说“麻烦你告诉他们,我一定要这样的,我们一定要做到这样,我们也一定可以做到这样”,然后大家就很苦逼的加班…但是最后两场演出都完美的结束了,所以一切辛苦都是值得的!(骄傲脸)
啊好像一下子说了很多题外话,总之,是一场看了绝对不会后悔的歌剧!

舞台照片不方便发,就发一张后台的好了~

第一天工作人员在搭台子~

祝大家看的开心!
今天下午广州大剧院举办《魔笛》发布会,请到柏林喜歌剧院的歌剧总监Philip Bröking。刚听完发布会出来刷知乎就刷到题主的问题。

很巧,在提问环节小弟向总监先生提出了一个跟题主所问类似的问题,我这样问:多媒体美术在歌剧中的运用会是歌剧舞台在未来的发展趋势吗?


以下是总监先生回答的原话:

"It is not the future of the opera, it's just a special approach to this special opera."

他还补充说,这次《魔笛》选择使用这样的舞台美术是柏林喜歌剧院建立在对《魔笛》的理解上做出的最合适的呈现方案。它适合用多媒体,那么就对它用多媒体,这样的设计不一定适合于每一部作品。每一部作品都是唯一的,都是独特的,都会有最适合于它的呈现方式。






高科技手段在歌剧舞台上的运用,像大都会歌剧院制作的《尼伯龙根的指环》、《特里斯坦与伊索尔德》都是很好的例子。小弟先前在澳门观看过丹麦Hotel Pro Forma剧团制作的前卫视觉歌剧《War Sum Up》(译:迷幻战境),也是一部以多媒体投影为主要舞台美术形式的歌剧作品。这个剧团还制作过诸如《Operation, Orfeo》(歌剧)、《Cosmos+》(话剧)的现代风格舞台视觉设计作品。


《迷幻战境》谢幕照



在世界各地都有不少剧团在使用和探索多媒体技术在戏剧舞台上的运用,小弟认为随着剧场工作者的探索,舞台技术会变得更强大,戏剧美术制作在选择上也会变得更多样,高科技手段在未来的使用会包括但肯定不局限于像《魔笛》这样人画结合的手法。也许这就是舞台美术未来的趋势吧。


期待10月底的演出!